Scrittore italiano, legato da un amore viscerale al Portogallo, è stato il maggior conoscitore, critico e traduttore dell’opera dello scrittore Fernando Pessoa.

Per molto tempo, a partire dal 1973, Tabucchi ha insegnato lingua e letteratura portoghese a Bologna. E così amava definirsi, “un professore universitario”, sostenendo che per lui la scrittura non era una professione, “ma qualcosa che coinvolge i desideri, i sogni e la fantasia”(Antonio Tabucchi, un dubitatore impegnato. Intervista di Asbel Lopez).

Antonio Tabucchi si è spento nella ‘sua’ Lisbona il 25 Marzo 2012 all’età di 68 anni.

“Gli artisti e gli intellettuali non fanno cadere i regimi, ma con un cerino illuminano l’oscurità in tempo per mostrare a chi abbia occhi quando il sentiero percorso è sull’orlo dell’abisso.”
Antonio Tabucchi

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Atlante del cinema italiano
404 pagine
Garzanti

Se la storia del cinema può avvalersi di una bibliografia che va ampliandosi nei decenni, il numero di saggi su spazi, luoghi e ambienti nella finzione dei film che adottano un metodo scientifico può dirsi sicuramente più esiguo. Tra i più recenti – e migliori – esempi di geografia del cinema può rientrare questo fondamentale volume edito da Garzanti su luoghi, paesaggi, figure e identità che hanno costituito l’immaginario generato dal cinema italiano nel periodo che va da 2000 al 2010.

Incrociando rilevazioni sia di tipo quantitativo che qualitativo, gli autori hanno preso in esame più di quattromila film al fine di disegnare una cartografia dell’immaginario di un cinema che sembra aver perso la capacità di raccontare il presente, di individuare gli odierni conflitti sociali per rifugiarsi spesso e volentieri in un passato consolatorio. Non solo una mappa identitaria del paesaggio nostrano (in cui sembrano essersi persi anche i confini geografici) ma anche una schedatura dei personaggi principali dei film presi in esame in base alle principali dimensioni anagrafiche e socioeconomiche, con un occhio di riguardo anche alla rappresentazione del mondo del lavoro e della realtà dell’immigrazione.

La terza parte del libro curato da Gianni Canova e Luisella Farinotti offre un’interessante ricognizione sulla gestualità nella commedia comica italiana, sulle funzioni che il dialetto ha assunto negli ultimi dieci anni del nostro cinema e infine sulle presenze attoriali più rilevanti: volti e corpi che hanno ridisegnato a loro modo il nuovo divismo made in Italy.

Impreziosito da sedici pagine di foto a colori, Atlante del cinema italiano, con la sua profondità di analisi, complessità di indagine e ricchezza delle argomentazioni e dei punti di vista, sembra già porsi come testo capitale per lo studio delle coordinate essenziali del nostro cinema nella prima decade del nuovo secolo.

I CURATORI

Gianni Canova è professore ordinario di Storia del cinema e preside della Facoltà di Comunicazione, Relazioni pubbliche e Pubblicità presso la Libera Università IULM di Milano. Fondatore del mensile di cinema e cultura visuale «Duel» (ora «duellanti»), è stato critico cinematografico per «la Repubblica», «il manifesto», «Sette» del «Corriere della Sera» e «la Voce» di Indro Montanelli. Attualmente è autore e conduttore del programma Il Cinemaniaco su Sky Cinema e titolare della rubrica di cinema su «Saturno», inserto culturale del quotidiano «Il Fatto». Autore di numerosi saggi e curatore di grandi mostre multimediali, con Garzanti ha curato la Garzantina del Cinema e ha pubblicato Palpebre (2010), il suo primo romanzo.

Luisella Farinotti insegna Estetica del cinema presso la Libera Università IULM di Milano. Negli ultimi anni si è occupata di teoria e storia dell’immagine, di cinema sperimentale, di found footage e del ruolo degli oggetti nella scrittura cinematografica. Ha scritto per la Storia d’Italia (Einaudi, 2001), La cultura italiana (Utet, 2010) e Storia del cinema italiano (Marsilio-Edizioni di Bianco & Nero, 2002-2009). Tra i suoi scritti, Territori di confine (2002, con R.Eugeni); Il metodo e la passione (2006, con E.Mosconi); Il futuro dietro le spalle. Tempo e storia nel cinema di E.Reitz (2005).

(15 marzo 2012)                                                                                     Andrea Favazzo

È da pochi mesi nelle librerie, per la collana Iconoclasti, questo strano oggetto editoriale che si pone all’incrocio tra fiction, satira e saggio antropologico. Maria de Filippi è uno scritto polifonico che in centodieci brevissimi capitoli inventa altrettante testimonianze di ragazze e ragazzi che gravitano intorno al programma Uomini e donne, protagonista da dieci anni del pomeriggio di Canale 5. Voci di tronisti che aspirano a una carriera nel piccolo schermo, di corteggiatori impacciati, di teledipendenti che praticano il culto “mariano”, di semplici spettatori delle repliche notturne si susseguono andando a costruire un racconto a mosaico su un mondo che ha raggiunto il baratro.

Nel libro di Emanuele Kraushaar Maria de Filippi si presenta sia come creatura mistica che dispensa salvezza agli spettatori sia come deus ex machina, principio primo che tutto ordina e che ogni conflitto appiana, che non giudica le sue creature e che dona la Luce della notorietà a tutti. Una presenza che – proprio come nelle sue trasmissioni – non è mai ingombrante intervenendo sempre al momento giusto.

Strutturato come l’Antologia di Spoon River di Edgar Lee Masters ma vicino nel linguaggio ai primi racconti e romanzi cannibali di Aldo Nove, il libro di Emanuele Kraushaar lancia il suo sguardo obliquo carico di ironia feroce su un certo di tipo di fare spettacolo che è stato in grado di modificare il DNA degli italiani, che ha fatto coincidere la vita con la TV e che continua ad alimentarsi con il suo stesso nichilismo.

L’AUTORE

Emanuele Kraushaar, romano, trentaquattro anni. Scrive fin da quando è bambino. Un pomeriggio gli è capitato di vedere il programma Uomini e donne di Maria de Filippi. Per questo ha deciso di scrivere questo libro.

(13 marzo 2012)                                                                                     Andrea Favazzo

Se Link si è da sempre distinto per l’originalità dei suoi contributi e per la sua ricercata veste grafica, unica nel panorama editoriale italiano e capace di giocare con la carta e con l’oggetto che si propone di analizzare, in questo numero la rivista pubblicata da Mediaset ha davvero superato sé stessa. A partire dal coup de théâtre della copertina termosensibile che gioca con la distinzione – per l’appunto mcluhaniana – di medium caldo e freddo: se riscaldata con la mano infatti il ritratto del sociologo subisce una curiosa trasformazione. Questa non è però per il lettore l’unica sorpresa del volume: i saggi contenuti si propongono infatti programmaticamente di evitare sentieri battuti e le frasi divenute slogan (come “il villaggio globale” o “il medium è il messaggio”, sarcasticamente storpiate nelle pagine di apertura del volume) per far emergere spirito e metodo dello studioso canadese.

Con saggi – tra gli altri – di Carlo Freccero, Henri Jenkins, Stefano Bartezzaghi e Ruggero Eugeni, si scava nella figura del “profeta”, rileggendo materiali eterodossi come l’intervista da lui rilasciata a Playboy oppure adottando nuovi punti di vista sui suoi scritti (come quello di Peppino Ortoleva che lo considera ben tutt’altro che un guru dei nuovi media). Insomma, la promessa al lettore è stata mantenuta: dei cliché di apocalittici e integrati neanche l’ombra.

(4 marzo 2012)                                                                                             Alessandra Favazzo

È da poche settimane nelle librerie l’ultimo volume della collana “elementi” di Marsilio dedicato alla figura del regista di Belli e dannati e del recente L’amore che resta. Il libro, curato da Barbara Grespi, si caratterizza per la compattezza e la precisione nei riferimenti alla cinematografia di uno degli autori più eccentrici (e, all’apparenza, più schizofrenici) della contemporaneità.

Mentre il saggio introduttivo si propone di mappare il cinema metamorfico di Van Sant nelle sue coordinate tematiche e figurali, individuandone tre fasi di evoluzione (che la stessa curatrice chiama Gli abitanti della strada, Incontro con il padre e Via dall’America) e individuando costanti e fratture all’interno di un progetto autoriale a prima vista paradossale ma che lascia trasparire una forte coerenza di fondo. Gli altri cinque scritti propongono poi delle analisi testuali di altrettanti film (Mala Noche, Da morire, Psycho, Elephant e Paranoid Park) che descrivono un cinema che lavora costantemente sull’immaginario (la cultura beat, il mondo queer, il western) e sull’immagine stessa (ad esempio, mettendo in relazione dialettica le sue diverse forme nel medesimo film: fotografia, video, super8, disegno), che è fuori e dentro Hollywood e che adotta la ripetizione come proprio principio creativo.

Adatto sia agli studenti delle scienze della comunicazione che agli appassionati e cultori dell’autore di Drugstore Cowboy, il libro curato da Barbara Grespi è in definitiva un buon concentrato teorico-analitico dell’opera del regista di Portland.

LA CURATRICE

Barbara Grespi insegna Storia e critica del cinema all’Università degli studi di Bergamo e dal 2007 è selezionatore per il Festival del Cinema di Torino. Negli ultimi anni si è occupata di teoria e analisi dell’immagine, in particolare del rapporto fra cinema e fotografia de del motivo del corpo e del gesto nel film. Tra le sue pubblicazioni, Marchi d’autore (2000), Howard Hawks (2004), Immagini e memoria (2009), Cinema e montaggio (2010). Per Marsilio ha scritto saggi inclusi in diversi volumi della Storia del cinema italiano e ha collaborato al volume Cary Grant (a cura di Giaime Alonge e Giulia Carluccio).

(9 febbraio 2012)                                                                                                  Andrea Favazzo

Prendendo le mosse dal dibattito tra detrattori ed entusiasti dei nuovi strumenti di internet – ennesima riedizione del dualismo echiano tra apocalittici e integrati – l’agile manuale di Bennato cerca in primo luogo di mettere ordine su un argomento di grande attualità, chiarendo quali sono e come funzionano le piattaforme del web partecipativo, considerate dall’autore come particolari macrosistemi tecnici che sono stati in grado di scatenare un processo di riorganizzazione sociale, politica ed economica nella società contemporanea.

Blog, wiki e social media come YouTube, Twitter e Friendfeed sono accomunati da valori della cosiddetta Weltanschauung 2.0: coinvolgimento degli utenti, intelligenza collettiva, condivisione e remixabilità dei contenuti, componente social. Strumenti di comunicazione che hanno superato la semplice funzione di scambio di informazioni, arrivando a rivoluzionare le modalità di costruzione e mantenimento delle relazioni sociali di adolescenti e adulti.

Ripercorrendo i più recenti studi sulla materia, realizzati principalmente in area anglosassone, il volume mostra come i social network mettano in gioco aspetti fondamentali della vita di ciascun individuo, quali la rappresentazione di sé, la gestione dei rapporti tra pari e delle informazioni personali, i modelli di comportamento da seguire. Proprio in virtù dell’onnipresenza delle tecnologie digitali nel quotidiano, Bennato presenta la sua “modesta proposta”: una maggiore attenzione alla dimensione dei valori all’interno del rapporto tra tecnica e società, che sfoci in una nuova disciplina, la tecnoetica. La tecnologia infatti non si presenta come oggetto neutrale, a è insieme frutto di valori, veicolo di essi e forza che può modificare le convinzioni etiche diffuse. Bennato sottolinea quindi l’esigenza di norme deontologiche che guidino l’operato di ingegneri, designer e progettisti, affinché non si lascino affascinare dall’ottimismo tecnocratico all’insegna delle “magnifiche sorti e progressive”

L’AUTORE

Davide Bennato insegna Sociologia dei media digitali presso la Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università di Catania. Si occupa in particolare di culture tecnologiche, del consumo di contenuti online, della socializzazione tramite media digitali. È autore, tra l’altro, del volume Le metafore del computer. La costruzione sociale dell’informatica (Meltemi, 2002) e del saggio Culture tecnologiche emergenti. Analisi di una comunità di wardrivers in Cultura in Italia. Nuovi media, vecchi media (a cura di M. Santoro, il Mulino, 2007). Ha redatto la voce La circolazione delle tecnologie in XXI Secolo (Istituto dell’Enciclopedia Italiana Treccani 2010). È inoltre autore del blog Tecnoetica.

(28 gennaio 2012)                                                                                          Alessandra Favazzo

Seguendo la scia del crescente successo che gli ultimi film di Miyazaki hanno conosciuto nel nostro Paese, la casa editrice Le Mani pubblica questa monografia dedicata al regista di Il castello errante di Howl; una pubblicazione che ne ripercorre a tappe la parabola artistica (e imprenditoriale) per riconoscerne finalmente le tracce autoriali. Temi, motivi e ricorrenze del cinema di Miyazaki sono spesso lette alla luce della biografia e del “pensiero” del regista giapponese e compongono un universo coerente e affascinante.

Il riconoscibile mondo animato di Miyazaki trova tuttavia le sue radici in un background culturale ibrido: l’autore di Principessa Mononoke, infatti, si muove da sempre tra il senso di appartenenza al Giappone, alla sua storia e alla sua identità (per come rilegge alcune storie e leggende legate alla tradizione popolare o per quanto nel suo cinema abbia così tanto peso la paura di un’apocalisse nucleare) e la fascinazione per l’Occidente (in particolare la letteratura anglosassone, l’Italia come paese “esotico” ed eroico, i paesaggi europei, l’ideologia marxista). È anche grazie a questa contaminazione che gli anime di Miyazaki (film per il cinema ma anche serie tv animate come Lupin III e Conan, il ragazzo del futuro) hanno saputo costruire mondi fantastici ma complessi e comunicare con un pubblico eterogeneo per fasce d’età.

Il libro di Alessandro Bencivenni – per la semplicità nella trattazione e l’alta chiarezza espositiva – si rivolge soprattutto a coloro che da poco si sono accostati al cinema di Miyazaki e vogliono orientarsi scoprendone gli elementi basilari.

L’AUTORE

Alessandro Bencivenni, sceneggiatore, vive e lavora a Roma. Dopo aver esordito nei fumetti con Topolino, è passato a scrivere per il cinema e la TV, collaborando con registi famosi:  dalla Wertmüller di Io speriamo che me la cavo a Monicelli di Le rose del deserto. Ha firmato molti successi popolari, dalla saga di Fantozzi alla serie televisiva di Don Matteo, fino ai più recenti cinepanettoni. Ma è anche uno studioso di cinema, autore di Visconti (il Castoro, Milano), Greenaway, il cinema delle idee e Ricordare sognare sceneggiare (Le Mani, Recco). Ha insegnato sceneggiatura all’Accademia dell’Immagine dell’Aquila, all’Università di Terni e alla LUISS.

(21 gennaio 2012)                                                  Andrea Favazzo

Nel nutrito filone dei porn studies pubblicati negli ultimi mesi, merita una menzione particolare questo volume di ricerca pubblicato dal sociologo dei media Renato Stella, autore di L’osceno di massa (1991), uno dei primi saggi in lingua italiana a occuparsi dei consumi popolari di pornografia. Vent’anni dopo, l’accademico si propone di rileggere il fenomeno dell’hardcore alla luce dei mutamenti sociali, tecnologici e culturali avvenuti in questo lasso di tempo.

L’autore affronta il suo oggetto di studio a tutto tondo, analizzando il ruolo che la pornografia ha avuto nel modificare la cultura visiva contemporanea e l’immaginario collettivo, ricostruendo in sintesi le sex wars (battaglie che hanno visto contrapporsi un’intellighenzia pro-porn e una anti-porn) e soffermandosi sui fenomeni sorti grazie alla diffusione di internet: il cybersex (inteso come interazione sessuale tra due o più soggetti online) e il neoporn (porno amatoriale su internet) – appunto – rapportati tra loro e frequentemente con il porno industriale e le sue istanze produttive, estetiche e ideologiche. Il funzionamento dei due fenomeni viene infine mappato nell’ultima parte del libro, dedicata a una ricerca empirica che vuole sondare il terreno dei produttori/consumatori di pornografia utilizzando la tecnica dell’intervista face to face o via chat.

Ciò che viene proposta nelle 208 pagine è un’analisi scientifica (non esente in alcuni passaggi da spunti polemici) interessante e dettagliata su una realtà ormai più che sdoganata a livello di consumi ma che crea ancora imbarazzo (almeno in Italia) quando diventa oggetto di studio accademico o fa ancora discutere per i suoi presunti effetti liberatori o, al contrario, per il suo supposto e indimostrabile potere corruttivo dei costumi sociali. Eros, Cybersex, Neoporn, dal suo canto, tenta con successo di uscire dal fuoco delle sex wars per assumere un punto di vista che si può definire sensato, rigoroso e – proprio per meglio adattarsi alla complessità del suo argomento (per tutto ciò che implica, anche in termini etici) – ambiguo.

L’AUTORE

Renato Stella insegna Sociologia delle comunicazioni di massa presso l’Università di Padova. È autore di Box populi (Roma, 1999), L’immagine della notizia (Milano, 2004), Media ed Etica (Roma, 2008) e ha curato con P. Lalli e M. Morcellini il volume Spazi comunicativi contemporanei (Roma, 2008). Attualmente si occupa delle nuove forme di produzione e diffusione della cultura di massa.

(14 gennaio 2012)                                                          Andrea Favazzo

Ritratti in controcanto è una raccolta costituita da ritratti in versi di donne scrittrici o pittrici affiancati al ‘controcanto’, all’eco di Marisa Ferrario Denna, poetessa di Busto Arsizio che, finalmente, dopo un silenzio di quindici anni, ci regala un libro semplicemente bello, già considerandolo come oggetto: la Nomos edizioni, casa editrice di recente apertura ma che ha al suo attivo numerosi libri di arte e saggistica varia, oltre che di poesia contemporanea, ha posto molta attenzione anche all’aspetto grafico, a partire dalla copertina – equilibratissima – bianca e turchese, fino alla scelta della carta e alla accuratezza nel lavoro di editing. Così godiamo di un libro ben fatto, oltre che intenso nel contenuto, che è oggi cosa rara e preziosa.

Ritratti in controcanto è un libro colto, per certi aspetti difficile. Marisa Ferrario Denna ha ‘dialogato’ con trenta scrittrici della storia (dal ’900 al ’500, in prevalenza ’900, per ovvie ragioni), un personaggio storico antico (Ipazia), nove donne del mito e venti pittrici (dal ’500 al ’900). Sessanta donne della storia e della leggenda, sessanta donne che hanno spesso pagato personalmente scelta dell’arte. Un libro quindi che, nel suo impianto geometrico, frutto di una mente solida e razionale come quella di  Marisa Ferrario Denna, filosofa di formazione, è anche molto attento alle coordinate storiche (dal ’900 agli abissi del mito per risalire poi di nuovo al ’900), che creano una struttura circolare, alla ricerca, forse, di un senso da dare alle cose. Un libro che implica, dunque, conoscenze storiche, letterarie, artistiche (alcune artiste come Lalla Romano, Emily Dickinson, Gaspara Stampa, Artemisia Gentileschi o Frida Kahlo sono note alla maggior parte del pubblico, ma altre come Renée Vivien, Louise Labé e parecchie pittrici sono nomi più vaghi se non addirittura sconosciuti) e che presuppone un impegno di lettura e una scrittura non semplicemente ripiegata sui propri sentimenti, come la buona tradizione lirica prevede, ma che si apre all’arte degli altri attraverso un’indagine conoscitiva, simbolo anche di una maturità umana e intellettuale.

È un libro che nasce – anche – da una profonda solitudine, condicio sine qua non per lo studio e la riflessione, da una dolorosa solitudine, direi, la quale però cerca continuamente, come è tipico del femminile, un dialogo, un’empatia, un ristoro al vuoto dei giorni. Questo è dunque un dialogo tra l’autrice e le ‘sue’ donne, che lei interpreta, ma soprattutto sente, in modo a tratti davvero straordinario, frutto di uno studio molto approfondito che però – e qui è la magia e la forza della parola poetica di Marisa Ferrario Denna – ha saputo delineare in pochi versi il personaggio, con una capacità di sintesi che solo un’intelligenza particolare può generare (“Svetta l’aquila delle tue sopracciglia” è l’incipit Frida Kahlo; “Quante sigarette, Ingeborg? / Il fumo uccide Ingeborg” sono il secondo e terzo verso per la Bachmann; “Io voglio il biancospino / per me e per tutte quelle come me, / che sono rimaste per sempre / soltanto sorelle, ombre, / ombre e nient’altro / di ben più geniali – famosi – fratelli” è l’ultima strofa per Paolina Leopardi: e gli esempi potrebbero continuare). Questo dialogo col passato, con le proprie radici, rimanda all’annoso problema del rapporto arte/vita.  Marisa Ferrario Denna dimostra che la scelta dell’arte è sì una rinuncia alla vita, a volte, ma paradossalmente permette di entrare più dentro nella vita, in una ricerca delle sue trame profonde e sotterranee che sottostanno al quotidiano e apparentemente inutile andare dei giorni, dandogli un senso che gli animi sensibili alla poesia sentono più di altri. L’aveva già affermato Antonia Pozzi (presenza quasi obbligata nella galleria di poetesse di Marisa Ferrario Denna) ai primi del ’900, riflettendo sul rapporto arte/vita nel Tonio Kröger di Thomas Mann: “Il contrasto tra Geist e Leben non va inteso nel senso che l’artista è colui che non arriva alla vita, ma colui che va oltre la vita”. Anche in questo libro c’è quindi un tentativo quasi ossessivo di cercare nell’ordine seppur fittizio dell’arte il senso alla confusione e all’ingiustizia della vita. Ordine si intitola, non a caso, il testo di chiusura, che diventa chiave di lettura della raccolta: “e le ciabatte – vuote – ad aspettare, / diranno dell’inutile fatica / di volersi – dal disordine – salvare”. Poesia come difesa e protezione, ma anche poesia come conoscenza dell’oltre, ricerca di bellezza e armonia.

Si ritrova questo ordine anche nella scelta formale, che definirei ‘classica’: sono frequenti la rima, il verso regolare (con prevalenza di endecasillabi e novenari), il sonetto e la quartina, a dire non solo una competenza tecnica non indifferente (che è anche a volte gioco linguistico: la poesia per Anna Maria Ortese, ed esempio, è costituita quasi interamente dai titoli dei suoi libri combinati tra loro), ma – ancora una volta – il grande debito e la grande conoscenza dell’autrice verso il passato, un passato in cui si può trovare, talvolta, una risposta e che, tuttavia, è rivissuto in modo personale, come sa fare solo chi lo vive in modo autentico, mettendosi in gioco. Rivisitare il passato, tra l’altro, è una scelta quanto mai attuale e necessaria, un modo intelligente e meno narcisistico di fare poesia oggi, in cui si vive per lo più nella contemporaneità, quindi nell’inconsapevolezza di sé e degli altri.

Infine, questo è senza dubbio un libro al femminile, nel senso più alto del termine.  Marisa Ferrario Denna ci aveva già abituato ai ritratti densi ed empatici di donne o bambine della sua vita (Prima le donne e i bambini è il bel titolo della prima sezione di Mal di luna del 1996), ma qui il respiro è più ampio e si diffonde nello spazio e nel tempo. Si potrebbe sentire una certa vena manichea, dove il femminile è assolutizzato in senso positivo come sopruso, sofferenza, fatica.  Ciò può essere vero, in parte, ma di fatto conferma lo sguardo di  Marisa Ferrario Denna che è sì, il suo, di sofferenza, e che arriva quasi ad una purezza di pascoliana memoria in cui l’amore verso il mondo delle donne porta a un’empatia verso gli aspetti altrettanto puri e sofferenti delle altre donne.  Similis cum similibus…

Pur essendo questo un libro tutto al femminile, il conflitto interiore, il contrasto arte/vita col conseguente continuo e ossessionante lavorìo sulla propria opera, in una ricerca che tende quasi alla perfezione, non può non ricordarci un poeta – maschio – che è padre e archetipo della tradizione lirica italiana: Petrarca (La matita, il primo testo – metaletterario – di Ritratti in controcanto, riecheggia, tra l’altro, un sonetto di Cavalcanti, simile al maestro aretino per la vena inquieta e drammatica: “Noi siam le triste penne isbigottite,/le cesoiuzze e ‘l coltellin dolente/ch’avemo scritte dolorosamente/quelle parole che vo’ avete udite”). Come Petrarca, che nel Secretum viene invitato caldamente da Agostino, sulla scia di Seneca, a intraprendere l’unico viaggio utile, quello dentro di sé (“E gli uomini se ne vanno ad ammirare gli alti monti e i vasti flutti del mare e i grandi flussi dei fiumi e l’immensità dell’oceano e il corso delle stelle; e trascurano se stessi – et relinquunt se ipsos“), Marisa Ferrario Denna si inabissa, anche attraverso ‘le sue Laure’, nei meandri del suo sé, per uscirne, forse, vivificata e arricchita, o almeno consolata. Dalla poesia, prima di tutto, che diventa scelta quasi mistica e radicale. “T’ho barattato – amore – con parole”: questo verso dell’ascetica Cristina Campo (altra donna della galleria) potrebbe racchiudere il senso del libro. A dire che la vita vera è la parola poetica perché, per riprendere Petrarca, “quanto piace al mondo è breve sogno”.  Marisa Ferrario Denna ci ha donato un libro che è anche un sogno, una visione, un balsamo e un ristoro – sebbene forse fuggitivo – per la mente, il corpo, l’anima.

(11 gennaio 2012)                                                                           Paola Barni

Comics and the city. Dagli anni trenta, ovvero da quando i supereroi hanno fatto la loro comparsa tra le pagine dei fumetti targati Marvel, la dimensione urbana ha informato di sé l’immaginario collettivo attraverso strip e film, sempre legata a doppio filo con la figura dei protagonisti di questa nuova mitologia made in Usa. Un connubio, quello tra supereroi e rappresentazione della metropoli nel cinema e nel fumetto, al centro dell’indagine del volume di Federico Pagello, che ripercorre le diverse tappe di questo incontro crossmediale, da Superman di Richard Donner (film del 1978 capostipite del genere supereroico) ai più vicini Iron Man 1 e 2 di Jon Fevreau. Alla base della rappresentazione di città di carta e immagini come Metropolis e Gotham City è il mito mediatico di New York, e in particolare di Manhattan, il suo inconfondibile skyline che l’ha resa la città larger-than-life per antonomasia.

Mentre nei primi capitoli della saga di Superman tra supereroe e spazio che lo ospita vi è una  sovrapposizione totale, simbolo di un’utopica armonia tra eroe, società e Stato propria del Sogno Americano, nelle più recenti pellicole del genere supereroico questa relazione si trasforma in radicale scissione e contrasto: il protagonista cerca infatti disperatamente di ricostruire la propria identità all’interno di uno spazio ormai a lui estraneo. Tra questi ultimi film un ruolo fondamentale spetta alla saga cinematografica dell’Uomo Pipistrello: se in Batman e Batman Returns di Tim Burton interni ed esterni contribuiscono, attraverso un lavoro molto sofisticato di set design in studio diretto dallo scenografo Anton Furst, alla formazione di un’immagine della città meta-cinematografica e inquietante, che riflette quella del suo outlaw hero, nei capitoli diretti da Christopher Nolan – Batman Begins e Il cavaliere oscuro – si intensificano i riferimenti al presente dell’America post 11 settembre e vengono predilette immagini reali girate soprattutto a Chicago, storica rivale della Grande Mela priva di ogni aura utopica.

(11 gennaio 2012)                                                             Alessandra Favazzo